Ópera

Ópera

La ópera es una manifestación artística tradicional cuyo objetivo se basa en la combinación de la música y el teatro. A continuación te explicamos qué es la ópera, sus géneros, su historia y muchas otras cosas más.

¿Qué es ópera?

La ópera es un género musical en el que la acción escénica se combina con música, ballet y canto. Las representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea y occidental. El género nació y se desarrolló en Italia, un país que para este tiene el mayor número de teatros de ópera del mundo.

Originalmente entendida como una pieza enteramente cantada, en contraste con una obra de teatro con canciones, la ópera ha llegado a incluir numerosos géneros, incluidos algunos que tienen diálogos hablados como el teatro musical. Tales son Singspiel y Opéra comique

La ópera es una expresión utilizada por el lenguaje común y mediático, pero no en musicología. El término está fuertemente contextualizado en su uso, ya que la palabra ópera, en italiano, es un término de origen latino que significa “obra”.

La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta.

Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya que desde el barroco se conocían formas limítrofes como la mascarada, la ópera de baladas, la zarzuela y el singspiel que se confunden en pocos casos con la ópera.

Géneros de la ópera

Historia de la ópera

La historia de la ópera abarca un periodo de más de cuatro siglos, desde finales del XVI hasta el presente. El origen de la ópera se remonta a los años 1570 y 1580, cuando un grupo de intelectuales florentinos, conocidos como Camerata de ‘Bardi, decidieron formalizar un nuevo género, todos en torno al conde Giovanni Bardi.

Sus raíces históricas se remontan al teatro medieval y a artistas como Guido d’Arezzo. Por otro lado, el arte de la comedia del siglo XVI ya incluía el uso de canciones, así como el ballet de corte francés. También se mezclaban voces, instrumentos, escenas, mientras que los dramas pastorales incluían grandes espacios musicales.

Ópera en el barroco

La ópera se extendió enormemente en la época barroca, estableciéndose sobre todo en Roma y Venecia. El espectáculo de una ópera era inicialmente reservado para los tribunales, y por lo tanto destinado a una élite de intelectuales y aristócratas. Pero posteriormente se volvió algo común gracias a la apertura de los primeros teatros públicos. Teatros como el Teatro San Cassiano en Venecia (1937) y el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia (1639).

Entre los temas favoritos que comprendía la ópera se encontraban los poemas homéricos y virgilianos junto con los acontecimientos caballerescos, en particular los narrados por Ludovico Ariosto y Torquato Tasso. A esto se le sumaba la incorporación de pistas cómicas e imaginativas. La música de la ópera se caracterizaba por la presencia de instrumentos de viento y arco .

Por otra parte, el compositor francés de origen italiano Jean-Baptiste Lully da vida a la ópera francesa, Henry Purcell da a luz a la ópera inglesa y Heinrich Schütz da origen a la ópera alemana.

El estilo del canto de la ópera alemana, francesa e inglesa fue un factor que las diferenció de la ópera italiana. Ya que era más grueso y predominantemente. Otros elementos de diferenciación con respecto al modelo italiano consisten en la importancia asignada a las coreografías y la estructura de cinco actos, la cual preservará hasta finales del siglo XIX. Fue así como nacieron la tragédie lyrique y el opéra-ballet.

A finales del siglo XVII, la ópera italiana se caracterizó usar dos versos poéticos en sintonía. En este siglo la ópera italiana fue reformada por el poeta Pietro Metastasio, quien estableció una serie de cánones formales, relacionados tanto con la estructura dramatúrgica como con la estructura métrica de las arias. Se aplicaron las llamadas unidades aristotélicas. Posteriormente se establecieron nuevas reformas hechas por Gluck y Mozart.

Ópera en el romanticismo

Durante este período, el compositor Gioachino Rossini, creó la ópera cómica, abandonando la comedia realista en favor de una comedia absoluta, con picos de surrealismo moderno. Por otro lado, se incorporaron elementos de la ópera francesa en el género serio. El mismo Rossini, que se mudó a París, inauguró con Guillaume Tell el género de la gran ópera.

La distinción entre géneros se desvaneció gradualmente. Las situaciones y los personajes de la comedia operística se integraron cada vez más en el drama operístico. A esta época se le llamó como período post rossiniano, y se caracterizó por el componente áulico y el moralizante lírico.

Se comenzó a utilizar el realismo y la representación directa o metafórica para reflejar hechos históricos de la Italia contemporánea. Todo esto se realizaba con una visión dramatúrgica mucho más orgánica. Surge la figura de Giuseppe Verdi, un compositor de las obras más famosas de la época como RigolettoLa traviataAida y Otello.

Historia

Mientras tanto, la gran ópera se caracterizó por las actuaciones y bailes. Y la opéra-comique fue distinguida por sus diálogos hablados. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XIX surge un nuevo género, la opéra-lyrique. Esta fue creada por compositores como Charles Gounod, Georges Bizet y Jules Massenet.

Nace Richard Wagner. Un compositor que revolucionó el género de la ópera desde cero, eliminando las formas cerradas y la importancia de los protagonistas. También estructuró las partituras en clave sinfónica de acuerdo a los “Leitmotives” (temas principales).

El modelo operístico francés tuvo un gran impacto en la producción operística italiana de los años setenta y ochenta del siglo XIX. Esta fase histórica fue conocida como “transición”, y se distinguió por el uso de las viejas formas convencionales del género de la Gran ópera. La fase de la “transición”, terminó aproximadamente en los años noventa del siglo XIX, y se presenció una expansión progresiva de las formas cerradas de ópera.

Ópera contemporánea

En Italia, el modelo musical wagneriano, el modelo teatral-dramatúrgico y el modelo lírico-musical, fueron absorbidos y reelaborados de manera original por Antonio Smareglia y por los compositores de la “Giovane Scuola“. Aparecieron compositores como Ruggero Leoncavallo y Giacomo Puccini. Finalmente, se dieron las contribuciones a la ópera de la “Giovane Scuola” y de varios músicos, como Amilcare Ponchielli, creando nuevos caminos a la ópera europea de la época.

En este período, las óperas italianas, dejaron de lado los temas históricos de la gran obra, y se enfocaron hacia dramaturgias realistas creando así la ópera verista. Está clase de ópera era mucho más parecida a la del teatro musical francés. de finales del siglo XIX, en particular el género de la ópera-lírica.

Anfiteatro

Después de mediados del siglo XX, la producción de nuevas óperas se redujo significativamente, debido a la aparición de nuevas formas de entretenimiento como la cinematografía, la radio y la televisión .

Partes de la ópera

La ópera está formada por la unión de la música con arte dramático y artes visuales. Desde el período barroco hasta nuestros días, los compositores han explorado este estilo y cada vez más continúa deleitando al público de todo el mundo. 

Típicamente, las partes de una ópera consisten en la apertura, que es la parte interpretada por la orquesta, ubicada en el escenario, y con el telón aún cerrado, posteriormente se presenta la ópera o un acto. Los actos están formados por escenas y marcan una especie de capítulo de la ópera. 

Las partes cantadas también reciben nombres específicos como el aria, la cual es una interpretación de un solo vocal que puede ser cantada sin coro, habitualmente con acompañamiento orquestal. El recitativo, que está mucho más cerca del discurso y tiene como objetivo contar la historia más rápido, y el coro, una parte destinada a un tutti con coro y orquesta. 

Otro elemento importante en la ópera es el libreto, el cual es la historia de la ópera. Este puede ser hecho por el propio compositor o en colaboración de un escritor o poeta. De hecho, un conocimiento previo del folleto nos ayuda a comprender mejor el trabajo artístico de la ópera y nos permite prestar mayor atención a sus detalles.

Características de la ópera

La ópera es una forma de teatro en la que la música tiene un papel principal y los cantantes toman las partes, pero es distinta del teatro musical. Tal obra incorpora una serie de artes escénicas, como actuación, escenografía, vestuario y a veces baile o ballet. Las características que resaltan en este género artístico son:

  • Las obras de ópera son elaboradas a través de una colaboración entre un compositor y un libretista.
  • La actuación generalmente se da en un teatro de ópera. Es acompañada por una orquesta o conjunto musical más pequeño, el cual es dirigido por un director de orquesta.
  • La ópera ha tenido demasiada importancia en la tradición de la música clásica occidental.
  • Los cantantes emplean dos estilos de canto: recitativo, un estilo con inflexión del habla y arias autónomas.
  • Los lenguajes que se utilizan en los libretos originales de una obra son el italiano y el francés.
Obra operística

La opereta

La opereta es una forma y un género de ópera ligera. Ligera tanto en términos musicales como temáticos. Incluye diálogo hablado, canciones y bailes. El término “Opereta” es el diminutivo italiano de “ópera” y se usó originalmente para describir un trabajo más corto, quizás menos ambicioso que una ópera.

La opereta se convirtió en una forma reconocible a mediados de 1800 en Francia, y su popularidad llevó al desarrollo de muchos estilos nacionales de opereta. La Opereta perdió interés en la década de 1930 y dio paso al teatro musical moderno. Los compositores más importantes de la opereta han sido Johann Strauss, Jacques Offenbach y Franz Lehar.

Mozart, a quien a menudo se le atribuye el primer uso de la palabra opereta, la definió como “Ciertos abortos dramáticos. Composiciones en miniatura en las que solo se encuentran canciones frías y coplas del vodevil”. La definición de opereta ha cambiado a lo largo de los siglos y varía según la historia de cada país con el género. 

Sin embargo, hay algunas características comunes entre las operetas que florecieron desde mediados de la década de 1850 hasta principios de 1900. Contienen diálogo hablado entre números musicales, y a menudo los personajes principales, así como el coro, son llamados a bailar. Aunque la música se deriva en gran medida de los estilos operísticos del siglo XIX, con énfasis en melodías cantables. La diferencia entre opereta y ópera radica en el carácter ligero y divertido que poseen las operetas junto con la duración de la obra.

Compositores más importantes de la ópera

A través del tiempo han surgido diferentes compositores de ópera que han hecho de este género algo más significativo. Cada uno de ellos ha destacado por su creatividad e ingenio para realizar obras. A continuación te nombramos algunos de los compositores más importantes en la historia de la ópera.

Claudio Monteverdi

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15 de mayo de 1567 – 29 de noviembre de 1643) fue un compositor, corista y maestro de coro italiano. También compuso música secular y sagrada. Fue pionero en el desarrollo de la ópera. Es considerado una figura crucial de transición entre los períodos renacentista y barroco de la historia de la música.

Nació en Cremona, allí realizó sus primeros estudios musicales y composiciones. Monteverdi desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua y luego hasta su muerte en la República de Venecia, donde fue “maestro di cappella” en la basílica de San Marcos. Sus cartas escritas describen la vida de un músico profesional en Italia de la época, con sus problemas de ingresos, patrocinio y política.

Ópera

Gran parte de la producción de Monteverdi, incluidas muchas obras escénicas, se han perdido. Su música sobreviviente incluye nueve libros de madrigales, obras sagradas a gran escala como “Vespro della Beata Vergine” de 1610 y tres óperas completas. Su obra de “L’Orfeo” (1607) fue la primera que se interpretó de una manera profesional. Hacia el final de su vida escribió obras en Venecia, entre ellas “Il ritorno d’Ulisse in patria” y “L’incoronazione di Poppea“.

Richard Wagner

Wilhelm Richard Wagner (22 mayo 1813 a 13 febrero 1883) fue un compositor alemán, director de teatro, y director de orquesta. Fue conocido por sus óperas y sus dramas musicales. A diferencia de la mayoría de los compositores de operísticos, Wagner escribió tanto el libreto como la música para cada una de sus obras escénicas. Inicialmente estableció su reputación como compositor de obras de Carl Maria von Weber y Giacomo Meyerbeer.

Wagner revolucionó la ópera a través de su concepto de Gesamtkunstwerk “obra de arte total”, mediante el cual intentó sintetizar las artes poéticas, visuales, musicales y dramáticas, con música subsidiaria del drama. Describió esta visión en una serie de ensayos publicados entre 1849 y 1852. Wagner realizó estas ideas más plenamente en la primera mitad del ciclo de cuatro óperas Der Ring des Nibelungen (El anillo de los Nibelungos).

Sus composiciones se caracterizaban por sus texturas complejas, armonías ricas, buena orquestación, un uso elaborado de leitmotifs, y frases musicales asociadas con personajes individuales. Sus avances en el lenguaje musical, como el cromatismo extremo y los centros tonales que cambian rápidamente, influyeron en gran medida en el desarrollo de la música clásica. Wagner construyó su propio teatro, el “Bayreuth Festspielhaus”, que poseía muchas características de diseño novedosas. 

Giuseppe Verdi

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (9 de octubre de 1813 – 27 de enero de 1901) fue un compositor de ópera italiano. Nació cerca de Busseto, en una familia provincial de medios moderados, y desarrolló una educación musical con la ayuda de un mecenas local. Verdi llegó a dominar la escena de la ópera italiana después de la era de Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti y Gioachino Rossini, cuyas obras lo influyeron significativamente.

Ópera

En sus primeras óperas, Verdi mostró simpatía por el movimiento Risorgimento que buscaba la unificación de Italia. También participó brevemente como político electo. El coro “Va, pensiero” de su primera ópera (Nabucco de 1842), y coros similares en óperas posteriores, estaban muy en el espíritu del movimiento de unificación, y el propio compositor llegó a ser estimado como un representante de estos ideales. 

Sin embargo, Verdi, una persona intensamente privada, no trató de congraciarse con los movimientos populares y, a medida que tuvo éxito profesional, pudo reducir su carga de trabajo operístico y buscó establecerse como un terrateniente en su región natal. Sorprendió al mundo musical al regresar, después de su éxito con la obra Aida.(1871), junto con tres obras maestras tardías: Réquiem (1874) y las óperas Otello (1887) y Falstaff (1893).